Bilbotik paseiatzen I
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jueves, 23 de diciembre de 2010
miércoles, 1 de diciembre de 2010
Basterretxea
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martes, 30 de noviembre de 2010
WALTON FORD
Walton Ford (nacido en 1960) es un artista americano que pinta a gran escala acuarelas al estilo de Audubons ilustraciones naturalistas. Cada pintura es un estudio minucioso de la flora y la fauna, al tiempo que llena de símbolos, claves, referencias y hace guiños irónicos, incluso chistes de una multitud de textos de la literatura colonial, cuentos populares y libros de viaje. Las pinturas de Ford son narraciones complejas que crítican la historia del colonialismo, la industrialización, la política imperialísta, el desarrollo de la ciencia, y los efectos de la actuación del hombre sobre el medio ambiente.
Walton Ford se apropia de la minuciosidad y del estilo descriptivo y fresco de los naturalistas del siglo XIX y de artistas como John James Audubons, Karl Bodmer, George Catlin, pero él pone su genio para trabajar en una investigación de la historia natural en sí misma.
Para manejar un campo estético-guía, Ford compone alegorías densas que hacen, a veces directamente a veces de reojo, alusiones a todo, desde el conservacionismo y el consumo a la guerra, la política y el imperialismo.
Walton Ford se apropia de la minuciosidad y del estilo descriptivo y fresco de los naturalistas del siglo XIX y de artistas como John James Audubons, Karl Bodmer, George Catlin, pero él pone su genio para trabajar en una investigación de la historia natural en sí misma.
Para manejar un campo estético-guía, Ford compone alegorías densas que hacen, a veces directamente a veces de reojo, alusiones a todo, desde el conservacionismo y el consumo a la guerra, la política y el imperialismo.
Desde su visión increíblemente fiel de la naturaleza (al modo descriptivo de la historia natural), las obras de Ford la reflejan en una escala mucho mayor, produciendo enormes acuarelas que son auténticas composiciones épicas o verdaderos dramas líricos, capturando los momentos de los cambios del orden natural, como si se tratase del último miembro de una especie que lucha por su supervivencia justo antes de la extinción.
martes, 12 de octubre de 2010
LAURIE LIPTON
Laurie Lipton nació en Nueva York y comenzó a dibujar a la edad de cuatro años. Ella fue la primera persona en graduarse con honores de la Universidad Carnegie-Mellon en Pennsylvania con un título de Bellas Artes en dibujo. Después de recorrer Europa ha hecho de Londres su hogar desde 1986.
Su trabajo ha sido expuesto ampliamente en toda Europa y los EE.UU.
Lipton se inspiró en las pinturas religiosas de la escuela flamenca, en la forma de pintar y el estilo de los maestros del s. XVII: holandeses (Durero, Memling,…) o españoles ( Murillo, Valdés Leal, …). Goya ha sido también una de sus referencias artísticas (las pinturas negras, los caprichos,…). Al viajar por Europa como estudiante, llegó a desarrollar una técnica hiperrealista asombrosa y un peculiar dibujo muy propio, con miles de finas líneas cruzadas con rayitas , como en una pintura al temple de huevo. "Es una manera de llamar a la locura", dice ella, "pero por el detalle y la luminosidad resultantes vale la pena el esfuerzo".
Se puede pensar que sus dibujos entran en el grupo catalogado como “artes menores”. Se puede ser de la opinión de que los temas tratados por esta artista a veces son tétricos… pero, a nadie dejan indiferente y sus obras son mágicas y atrayentes.
El blanco y negro resaltan mucho más el dramatismo y la acida ironía crítica que desprenden la mayoría de sus obras.
Os recomiendo hacer una visita guiada por el mundo de esta mujer, en su web se pueden contemplar y comprar muchas de sus obras, pensad que es una buena inversión y que con un vestidito de esta artista daríais el campanazo en cualquier fiestuki y que con una buena lámina de Laurie presidiendo la cabecera de vuestro lecho cualquier amanecer os parecerá un regalo digno de ser disfrutado.
Su trabajo ha sido expuesto ampliamente en toda Europa y los EE.UU.
Lipton se inspiró en las pinturas religiosas de la escuela flamenca, en la forma de pintar y el estilo de los maestros del s. XVII: holandeses (Durero, Memling,…) o españoles ( Murillo, Valdés Leal, …). Goya ha sido también una de sus referencias artísticas (las pinturas negras, los caprichos,…). Al viajar por Europa como estudiante, llegó a desarrollar una técnica hiperrealista asombrosa y un peculiar dibujo muy propio, con miles de finas líneas cruzadas con rayitas , como en una pintura al temple de huevo. "Es una manera de llamar a la locura", dice ella, "pero por el detalle y la luminosidad resultantes vale la pena el esfuerzo".
Se puede pensar que sus dibujos entran en el grupo catalogado como “artes menores”. Se puede ser de la opinión de que los temas tratados por esta artista a veces son tétricos… pero, a nadie dejan indiferente y sus obras son mágicas y atrayentes.
Os recomiendo hacer una visita guiada por el mundo de esta mujer, en su web se pueden contemplar y comprar muchas de sus obras, pensad que es una buena inversión y que con un vestidito de esta artista daríais el campanazo en cualquier fiestuki y que con una buena lámina de Laurie presidiendo la cabecera de vuestro lecho cualquier amanecer os parecerá un regalo digno de ser disfrutado.
lunes, 20 de septiembre de 2010
Euskal Herriko Gotikoa: Lekeitioko Andra Mari
KANPOALDEA
Ostiko-arkuen bi miaketatako estribo laguntzaileak aurkezten ditu. Eta mailarik gabe prismazko zutabe morbiduak mugarriekin koroatzen dute. Ostiko-arkuak eta morbido mugarriak basilikaren kanpoko irudiaren berezko osagarriak dira.
Tontorrak irudi piramidala dute absideko hortzen apainketarekin, oso estilizatuak goiko bandan estriboen gainean bolumen handiagoaren estalkian, batzuek animaliak irudia dira eta beste batzuk garezur gisa eredukoak.
Harehariesko eskudelak inguratzen du goiko kortxela. Argitasuna sartzen da eki, hego eta mendebal tetik, iparraldetik huts destatu irekitzen dute haren trazeria zirkuluz bidez eginda, cuatrigeminado bat dago beste batzuk bereizten dute. Mendebaldearen saihetsak biarresetoi baxu aurkezten du aldeko ontzietan eta erdiaren bereidura nagusia.
Beste ikusgai batzuk dituzte barrualdetik, berezia, leiho txiki bat abside atzeko aldean (Pascual Abaroan-ren hilobiaren gainetik) XIV mendeko kanpoko horma, gero girola egin zenean barrualdean utzita.AURREKALDEA
Lehenik markoa, turruta forma emenda,arkiboltagatik berantzen duten ibili zilindro kapitalarekin zutabetan, bi escarzano arkutan mainel hagatik bikoiztu, tinpanoa aurkitzen da uste dun dekorazioarekin baita parteluzen kanpoko arkibolta friso-alfiz eta leiho nagusiko azpian dagoen frisoan.
Tinpano
Erdiko irudia, “ Trono de Gracia “ irudia da, Aita Jainkoa koroatu, heltzen duela Kristo gurutzatu ezkerreko eskuarekin, bedeinkatzen duen bitartean eskumarekin. Hau inguratu talde onek lau aingeru ditu, urrekoak turiferoak, kanpoaldekoak musikariak.
Andra Mari umearekinLehenik bi ateak zatitzen duen erdiko mugarri edo parte-luzean, Andra Mariaren irudi bat azaltzen du ume Jesus eskerreko besoan sostengatzen. Gainaldeko arkiboltaArkiboltan hamabi iruditarik jartzen dute erusel moldearen gainetik cardina barnatu apaindu hau haren barruko partea.
Friso-Alfiz
Aurreko aldeari arku markoa ipintzen du.
Erdiko parteak hemeretzi irudi dauka erresel azpian, erdikoa pixka bat jasotzen da besteandik, Gurutzatuan irudia da, albo bakoitzean sei irudi ditut, apostoluak dira.
Friso nagusien honen azpitik irudi bi dago idulkiaren gainean irudi onek bi lekaide dira. Frisoari oinarriaren zerbitzatzen den inpostan irudiak ditu, moralizatu bestiario-aren moduko, tartean gizakiak baita be. Alboko zutabek bakoitzak zazpi irudi dute, santuak eta aingeruak apaindutako mentsula gainean.
Aingeruen erlaizpe
Leiho nagusiaren azpian, zerrenda apaingarri bat egiten du. Erdi gunea beteta hemeretzi aingeruekineta gero atzetik eguzkia, ilargia eta izar bat. Pilastratik kanpo aldekoak, irudi naturista eta landaretza.
Aurrealde eroskunde katekesi baten irudikapena da, bi nibeletan: zeru eta lurra gurutzearen ardatz elkartuta; eliza moralezko aginduari menperatuta, dena hartuta kosmos baten Jainkoak gobernatuta. Salba bidearen azalpen erraz eta didaktikoa nonbait lotura mediebal itxuran mundu sortu izatera.
BARRUALDE
Lau zatitan mailakatutako hiru nabetan planteatua dago, erdirako buru zazpi alde poligonalaz, burua girora baxuagoaz inguratuta dago, alboetan, kaperak eskumako aldean, eta eskerreko aldean elizpea.
Mugarriek formatu eta tamaina aldatzen dute segun zein funtzio betetzen duten.
Gizabanakoaren kapitelen elkarketatik gorpuzkera baja-kapitel motakoak irten dira.
Hirukoitz arkuak, hiru beherakor arku konposatuak.
Elizaren perimetro guztia triforio batek inguratuta dago, apainduta duten traceria XIV mendekoa. Euskal Herriko gotikoaren berezitasun osagaia.
Habearte guztiak aurkezten dute gurutze-ganga.
Lehen tartea kuatripartita da erdiko kodearekin goiburu hagiografiako arrazoi bateaz.
Hirugarren zatiak izarrezko ganga hamaika kodearekin, batzuk leunak besteak zirkulatuak ortogonal eskema handituta.
Laugarrena edo koro gainean dago izartsu kode geometriko askorekin apainduta.
Alboko nabetan gurutze sinpleko gangak toralarku antzeko kodearekin.
ERRETAULA
Lekeitioko Santa Mariaren elizako aldare nagusiko erretaula gotiko-flamenko garrantzitsua egin zuten, 1508 inguruan Lekeitioko Hirian sortuta zegoen eskola lantegian, Juan Garcia de Crisal, Cristaels edo Cristaels (hiru formatara idatzita elizako archibuetan), maisuak zuzenduta. Bararekin akordatuta harri landua, zur-lanketa eta margo-keta, duda barik berena dela urreztatzea eta polikromia, ebaluazio akta diotenez(630.545 marabediez). Izugarrizko zur-urrebitsa eta polikromatu altzari hori (12,50 x 9,50 mts) Estatutako hirugarren handiena da, estilo horren barruan, Sevillakoaren eta Toledokoaren ostean, Oviedokoan parean.
Kasik abside guztia hartzen du bobedan azierarte. Panelen imajinagintza hirurogeita hamar irudi nitxo eta zutabetan, doseleteak, erreselak, trazeriak, chanbranak filigranaz zehaztu. Goian, Kalbario azpian, gorakadako indarra lotzen, dago horizontalki mudejar hautsetako, margotutako motibo geometriko abstraktuak eta izar urrezkoak zeru antzera, eguzkia eta ilargiaren irudiarekin.
Gorri, urdin, berde eta urre zahar koloreak, ondoan, brokatu ezarrita urrezko harietan epokako aberats jantziak imitatzen, baita urre zuriak ere, panelen zizelkatu programa aberasten dute garatzen Birjina Mariaren biziaren zenbait eszena:a/ Deikunde, Bisitazioa, Eraiste eta Berpizkunde.b/ (Marian aita-amak) Orakulua Joaquin eta Anari, Mariaren jaiotza, Mariaren elizan aurkezpena, Maria eta Jose ezkontza.c/ Artzain deikunde, Artzainen gurtza, Zirkunzisioa, Jesusen Elizan aurkezpena.
lunes, 13 de septiembre de 2010
domingo, 12 de septiembre de 2010
sábado, 4 de septiembre de 2010
MARK RYDEN
Mark Ryden es un artísta en el que se unen la aparente inocencia de los pintores naíf y la morbosidad onírica de los surrealistas . Sus obras denotan una inquietante ternura y esconden mundos oscuros y dificilmente digeribles bajo apariencias kitch ,colores apastelados e imagenes supuestamente infantiloides.
sábado, 24 de abril de 2010
viernes, 23 de abril de 2010
miércoles, 14 de abril de 2010
martes, 13 de abril de 2010
Eskultura Hiperrealista: RON MEUECK
Hiperrealismo:
Ron Mueck
R. Meueck es un escultor australiano afincado en Inglaterra que, empezó trabajando en cine haciendo marionetas y muñecos, siendo su participación en la película Dentro del Laberinto (Labyrinth) lo más notable de su carrera cinematográfica. Poco después, usando su experiencia en robótica, fundó su propia compañía, en la que se dedicaba a construir “animatrónics” para marcas comerciales. Poco a poco le fue picando el gusanillo de realizar esculturas lo más realistas posibles y así es como entró en el mundo de lo que se puede considerar arte.
En muchos de sus trabajos Mueck juega con el tamaño para provocar un efecto sobrecogedor sobre el espectador, pero es el hiperrealismo de sus esculturas lo que realmente impresiona. Las figuras están modeladas cuidando hasta el mínimo detalle (cabello, arrugas, poros de la piel,...). Sin duda, sus esculturas no pasan inadvertidas, son esculturas que destacan por rayar los límites del Arte. Si en un principio su técnica sólo permitía ver sus esculturas desde puntos de vista muy concretos, con el paso de los años ha logrado tal perfección que, para muchos, son hombres de verdad y no figuras las que inundan sus exposiciones. Alguien debió de escribir que son esculturas que hablan y que respiran.
lunes, 12 de abril de 2010
Escultura Cubista: ARCHIPENKO
Escultura Cubista: ARCHIPENKO
Alexander Archipenko:
Izquierda: "Suzanne" (1909). Pasadena.
Derecha: "Desnudo femenino (torso negro)". 1909-11- Washington.
Alexander Archipenko (1887-1964), uno de los ejemplos más claros de cómo el concepto de vanguardias artísticas puede aplicarse no sólo a la pintura de comienzos de ese siglo, sino también (y muy merecidamente) a la escultura, que encuentra en él uno de sus mejores exponentes.
Alexander Archipenko: "Cabeza: Construcción con planos cruzados" (1913). Washington.
Archipenko nació en Kiev, ciudad ucraniana entonces perteneciente al Imperio Ruso, y allí realizó sus primeros estudios artísticos, completados a continuación en Moscú. Pero al igual que otros artistas rusos de su generación, nuestro escultor decidió dar un salto definitivo en su trayectoria y acabó por instalarse en 1909 en París, donde en breve plazo estableció un pequeño taller en Montparnasse y tomó contacto con algunos de los más destacados representantes de las vanguardias artísticas, hasta el punto de que un año después participaba ya en el XXVI Salón de los independientes, junto con cubistas destacados como Leger o Delaunay. El cubismo es, por tanto, la orientación de sus esculturas de este primer periodo, con figuras reducidas a sus volúmenes más simples y con una evidente tendencia a la geometrización.
Alexander Archipenko. "Mujer caminando" (1912). Denver.
Pero Archipenko, que también practicó la pintura, estaba interesado en explorar nuevos caminos en la plástica tridimensional, y acabó por introducir en el cubismo escultórico una serie de novedades que pueden considerarse pioneras. No se trata ya de que descomponga los planos y formas, como hacían los pintores cubistas, sino de aprovechar otras posibilidades. Entre ellas, aunque pueda parecer paradójico, el artista ucraniano localiza un tema que va a resultar fundamental en todo el desarollo posterior de la escultura del siglo XX. Hasta entonces la preocupación básica de un escultor ha sido dar forma a una masa determinada. Ahora el hueco, lo puramente antimaterial, será un elemento determinante de la propia escultura, proporcionando nuevas formas vacías y sugiriendo ritmos. Sin mucho temor a equivocarnos, puede afirmarse que la obra en la que refleja a una mujer que camina, con un torso casi inexistente y con el juego de volúmenes cóncavos y convexos, marca un verdadero antes y después en la escultura del siglo XX.
Alexander Archipenko: "El gondolero" (1914). Washington.
Alexander Archipenko: "Carrousel-pierrot" (1913). Nueva York.
Siempre inquieto, en otros casos el artista ensaya con la estilización de los volúmenes, investiga las posibilidades del movimiento en la escultura, les aplica color, emplea materiales hasta entonces poco convencionales o inventa los que él mismo denominó como "esculto-pinturas", tratando de combinar las dos artes que siempre le atrajeron. En 1923 Archipenko trasladó su residencia de forma definitiva a los Estados Unidos, país del que acabaría por adquirir la ciudadanía. Allí siguió experimentando nuevas posibilidades escultóricas: trabajó con terracotas, empleó materiales plásticos a los que insertó luz interior e incluso realizó algunas incursiones en la escultura abstracta. Como decía de él Juan Gris: "Archipenko cambió la manera tracional de entender la escultura".
Izquierda: "Suzanne" (1909). Pasadena.
Derecha: "Desnudo femenino (torso negro)". 1909-11- Washington.
Alexander Archipenko (1887-1964), uno de los ejemplos más claros de cómo el concepto de vanguardias artísticas puede aplicarse no sólo a la pintura de comienzos de ese siglo, sino también (y muy merecidamente) a la escultura, que encuentra en él uno de sus mejores exponentes.
Alexander Archipenko: "Cabeza: Construcción con planos cruzados" (1913). Washington.
Archipenko nació en Kiev, ciudad ucraniana entonces perteneciente al Imperio Ruso, y allí realizó sus primeros estudios artísticos, completados a continuación en Moscú. Pero al igual que otros artistas rusos de su generación, nuestro escultor decidió dar un salto definitivo en su trayectoria y acabó por instalarse en 1909 en París, donde en breve plazo estableció un pequeño taller en Montparnasse y tomó contacto con algunos de los más destacados representantes de las vanguardias artísticas, hasta el punto de que un año después participaba ya en el XXVI Salón de los independientes, junto con cubistas destacados como Leger o Delaunay. El cubismo es, por tanto, la orientación de sus esculturas de este primer periodo, con figuras reducidas a sus volúmenes más simples y con una evidente tendencia a la geometrización.
Alexander Archipenko. "Mujer caminando" (1912). Denver.
Pero Archipenko, que también practicó la pintura, estaba interesado en explorar nuevos caminos en la plástica tridimensional, y acabó por introducir en el cubismo escultórico una serie de novedades que pueden considerarse pioneras. No se trata ya de que descomponga los planos y formas, como hacían los pintores cubistas, sino de aprovechar otras posibilidades. Entre ellas, aunque pueda parecer paradójico, el artista ucraniano localiza un tema que va a resultar fundamental en todo el desarollo posterior de la escultura del siglo XX. Hasta entonces la preocupación básica de un escultor ha sido dar forma a una masa determinada. Ahora el hueco, lo puramente antimaterial, será un elemento determinante de la propia escultura, proporcionando nuevas formas vacías y sugiriendo ritmos. Sin mucho temor a equivocarnos, puede afirmarse que la obra en la que refleja a una mujer que camina, con un torso casi inexistente y con el juego de volúmenes cóncavos y convexos, marca un verdadero antes y después en la escultura del siglo XX.
Alexander Archipenko: "El gondolero" (1914). Washington.
Siempre inquieto, en otros casos el artista ensaya con la estilización de los volúmenes, investiga las posibilidades del movimiento en la escultura, les aplica color, emplea materiales hasta entonces poco convencionales o inventa los que él mismo denominó como "esculto-pinturas", tratando de combinar las dos artes que siempre le atrajeron. En 1923 Archipenko trasladó su residencia de forma definitiva a los Estados Unidos, país del que acabaría por adquirir la ciudadanía. Allí siguió experimentando nuevas posibilidades escultóricas: trabajó con terracotas, empleó materiales plásticos a los que insertó luz interior e incluso realizó algunas incursiones en la escultura abstracta. Como decía de él Juan Gris: "Archipenko cambió la manera tracional de entender la escultura".
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